Carved by the light and crossed by the shadows

Una collezione è una forma di esposizione e rivelazione di sé, simile all’etica plotiniana di “non smettere mai di scolpire la propria statua”, il processo di costruzione e perfezionamento della propria essenza. Nel corso degli anni ho coltivato il desiderio di creare bellezza, e l’ossessione, potrei anche aggiungere, forse è questo che mi ha attratto dalla moda in primo luogo, e ancor più dal mondo della Couture, un desiderio di perseguire le molte forme in cui la bellezza si presenta. Trovo che la bellezza sia una consolazione e la creatività una spalla su cui piangere.

“L’arte dell’estetica, per il suo scopo più elevato, è di piacere all’occhio, senza dover servire ad alcuna forma di utilità che non sia la sua stessa esistenza” (Jovic, 2020).

L’interazione tra arte e moda, attraverso collaborazioni tra artisti e designer, è una notizia di ieri. Possiamo pensare che i percorsi incrociati risalgano alle collaborazioni di Schiaperelli con l’artista Salvador Dalí (Gibson, 2013). Questa collezione è un riferimento alla mia passione per il mondo dell’arte, a quello che è diventato il mio hobby, una collaborazione tra il mondo dell’arte, della storia e della moda, guidata da un’impollinazione incrociata di campi.

Per questo ho preso in considerazione il lavoro di Inès Longevial, una giovane artista francese, il cui lavoro mi ha influenzato per molti anni. La maestria di Inès nel colore e nella forma fa parlare i suoi ritratti (Longevial 2022), trasformando il corpo in paesaggio, colline e valli scolpite dalla luce e attraversate dalle ombre. La sensibilità di Longevial trova la sua espressione più delicata letteralmente sulla superficie della pelle, quella sottile membrana tra sé e il mondo, che risuona di informazioni atmosferiche. Le sue tavolozze punteggiate da tinte incandescenti evocano il ciclo diurno della luce dall’alba al tramonto, i rosa caldi, i malva e i gialli. Dopo aver assistito alla sua mostra personale L’Heure Magique ad Àgen, nel sud della Francia, paese di origine dell’artista, ho scelto di concentrarmi sui suoi dipinti, dove l’artista gioca con l’uso di motivi floreali intorno ai volti, scomponendoli in piccoli pezzi per creare patchwork che formano un abito. Un dettaglio che mi ha affascinato è stata la sua rappresentazione di piccoli fiori attorcigliati intorno alle dita, che ha finito per essere incorporata nella mia ricerca come forma di chiusura per gli indumenti, facendo riferimento anche all’esclusiva cultura Amazigh.

Durante i miei studi a bordo, un nuovo sistema educativo rispetto a quello appreso durante la mia infanzia, mi ha fatto capire che nessuna laurea, nessuno studio, è completo senza la sua storia, perché per creare e innovare dobbiamo conoscere ciò che è già stato fatto prima. L’interesse per la storia si è sempre acceso in me, ma una nuova profonda curiosità è diventata molto più rilevante in me stesso, e per questo in ogni lavoro che produco. Per questa raccolta ho guardato a una civiltà a cui mi trovo molto vicino quotidianamente, dato che lavoro con molti dei suoi abitanti, gli Amazigh. Una cultura che, più mi documentavo, più mi affascinava. Conosciute per la loro competenza nella tessitura dei tessuti e per il loro modo unico di drappeggiarli intorno al corpo, con il solo uso di due aghi. Ma oltre alla loro indubbia bellezza, gli abiti hanno la praticità di adattarsi al clima del deserto, perché gli Amazighs provengono da una delle più antiche civiltà nomadi del mondo, la cui esistenza risale a più di 20.000 anni fa. Nel corso di questa tesi, ho maturato un immenso rispetto per il loro popolo e la loro storia, e continuerò a farlo.

Infine, vorrei menzionare le donne che indossano questa collezione, che vedo come un punto di riferimento per la propria emancipazione, che le permette di reclamare il potere del proprio corpo, della propria femminilità e di abbracciare la propria singolarità.